A TAL CENA GRUNGE

Costumo dizer que nem tudo de melhor da história do rock n’ roll veio da década de 70. É bem verdade que grande parte das bandas que forjaram o hard rock como ele viria a ser feito no decorrer do tempo vieram dessa década, mas é inegável a quantidade de boas bandas surgidas nos anos 80, que vieram a explodir nos anos 90.

Em meio a bandas como Red Hot Chili Peppers, Faith No More, Guns N’ Roses, Metallica e R.E.M. surgia uma geração de garotos entediados, oriundos da chuvosa Seattle, nos Estados Unidos. De lá veio a maior remessa de bandas vindas do mesmo local num curto espaço de tempo, num movimento que ficaria conhecido como grunge. Dos embriões Mother Love Bone, Green River e Mudhoney aos consagrados Nirvana, Pearl Jam, Alice in Chains e Soundgarden, isso sem contar outras bandas que foram diretamente influenciadas por estas, tais como os californianos do Stone Temple Pilots, os australianos do Silverchair, os ingleses do Bush, entre muitos outros.

Os primórdios das bandas de Seattle: Green River

O que acho curioso é que a tal cena grunge – rótulo esse rejeitado pela maioria das bandas à época – possui difícil identificação sonora, ou seja, quais são as semelhanças que tornaram o surgimento dessas bandas um movimento, além da óbvia cidade natal?

As semelhanças entre as bandas grunge são genéricas, afinal guitarras distorcidas e letras melancólicas não são exclusividade da turma de Seattle. Esteticamente o estilo dos integrantes das bandas realmente se assemelhava, com as clássicas camisas de flanela xadrez, jeans rasgado e cavanhaques de bode, mas com relação ao som cada uma das bandas possuía características marcantes.

A melodia e os grooves do Soundgarden

O Alice In Chains era talvez a banda que mais se aproximava do heavy metal, com riffs matadores do excelente guitarrista Jerry Cantrell que desenvolvia melodias complexas que se encaixavam feito luvas nos vocais pesados e dramáticos de Layne Staley; já  o Soundgarden também flertou com o peso do metal no começo, seguindo um caminho mais alternativo, beirando o pop no seu hit “Black Hole Sun”, revelando um dos melhores cantores da história do rock n’ roll: Chris Cornell; o Pearl Jam sempre foi uma banda de hard rock típica, porém longe da estética glam da década anterior, com dois guitarristas, muitos solos, refrãos marcantes e os vocais de Eddie Vedder que influenciariam toda a geração que viria a seguir; a banda que virou mito após a morte de seu vocalista, Kurt Cobain, o Nirvana teve suas raízes no rock underground americano, mas com a pitada certa de pop, que transformou o segundo disco dos caras, “Nevermind”, num sucesso mundial inesperado.

O peso e melancolia do Alice In Chains

É difícil identificar o que forma um movimento, mas algumas características comuns no som das bandas costuma se destacar, como por exemplo no punk a velocidade das melodias, poucos acordes e simplicidade; no metal, a virtuose, as melodias trabalhadas e a agressividade; no progressivo a complexidade, longas melodias e alta parafernalha. Enfim, com o grunge essa distinção parece ser mais difícil, sem diminuir de forma nenhuma o brilhantismo de todas as bandas consideradas do movimento.

Temo que com esse empacotamento das bandas no rótulo do grunge, elas percam o devido reconhecimento histórico que merecem, pois nenhuma das bandas citadas pode ser diminuída por um banner que nunca quiseram carregar. Essa geração é das mais brilhantes do rock e influenciou outra porrada de gente disposta a sair da mesmice e fazer barulho.

O mundo precisa reverenciar e muito as bandas de rock dos anos 90, independente de serem grunge ou não, pois tiraram o rock da inércia e papagaiada dos anos 80 e se tornaram relevantes, cada qual com sua própria identidade sonora.

David Oaski

RESENHA: LIGHTNING BOLT - PEARL JAM

Nota: 8,5

O Pearl Jam já é uma banda clássica de rock. Com o distanciamento histórico de 22 anos do petardo “Ten”, de 1991 já é possível fazer essa afirmação com segurança.

A banda, que foi um dos pilares do movimento grunge, construiu ao longo dos anos uma discografia sólida e repleta de talento, sempre com a veia roqueira aflorada, mas se permitindo flertar com folk, blues e o pop.

Outros fatores fazem com que o Eddie Vedder, Stone Gosard, Jeff Amment, Mike Mcready e Matt Cameron formem uma das bandas mais respeitáveis do rock atual, como a eterna briga com a Ticket Master pelo valor abusivo cobrado pelos ingressos dos grandes shows; a variedade do setlist nas apresentações da banda é invejável, longe da preguiça e obviedade de outras bandas; além disso, a banda sempre buscou caminhar com suas próprias pernas, não se dobrando à exigências de gravadoras, rádios, Mtv e todos outros dinossauros que comandam o show business.

Com o lançamento de “Lightning Bolt”, décimo álbum da banda cerca de um mês atrás, os norte americanos de Seattle mostram que seguem afiados nas composições, entrosados como banda e que são sim relevantes e importantes no rock atual.

23 anos de estrada e energia de sobra

Há um pouco de tudo que o Pearl Jam já fez de melhor ao longo da carreira, com canções rock típicas dos álbuns recentes da banda, com boas linhas de guitarra e refrãos marcantes, abrindo com classe com a vigorosa “Gettaway”, um rockão pra levantar defunto, com vocais impecáveis de Vedder e a banda dando show na melodia. Potencial de single. Ainda nessa categoria estão “My Father’s Son”, outra ótima letra, com destaque para linha de baixo de Jeff Amment numa canção robusta, com variação no andamento em determinado momento, voltando ao tom raivoso noutros; e “Lightning Bolt”, a faixa título, inicia com rápidas linhas de guitarras e vocais e vai encorpando, com direito a um refrão delicioso e ótimo solo de guitarra.

Outra característica marcante no som da banda são as baladas e desta vez os destaques são a belíssima “Sirens” e “Sleeping By Myself”. Ambas possuem melodias delicadas, sendo que a primeira tem uma letra melancólica que trata de um desamor com piano, violões e suaves linhas de guitarra, com um belo solo, já a segunda é tão folk que parece que Eddie Vedder está tocando na varanda de uma fazenda, com violão e guitarra entrelaçados formando uma linda e singela canção.

A agressividade quase punk de “Mind Your Manners”, que possui letra com mensagens políticas e critica ao modo de vida americano contrasta com o intimismo de faixas como “Yellow Moon” e “Future Days” que lembram trabalhos solos de Vedder, com melodias mais introspectivas.

Arte para cada faixa do álbum

“Swallowed Whole” tem passagens de folk, vira rock, volta a ser folk e assim vai até o final, com melodia cativante e outro bom solo de guitarra. Já “Let The Records Play” é o toque de blues do álbum, num som que me remete a algo como o Black Keys, só que mais pesado, tem talvez o melhor solo de guitarra do álbum. Há espaço ainda para a densidade de “Pendulum”, arrastada e soturna possui uma beleza fúnebre.

Diferente de tudo que a banda já fez até hoje, “Infalible” soa como uma marcha com pitada folk. Somam à melodia piano, coros, castanholas e instrumentos de percussão, música típica de uma banda que não se acomoda nem se apega a formulas manjadas. O resultado é ótimo.

Quem ouvir “Lightning Bolt” esperando um arremedo de “Ten” ou “Vs” certamente sairá decepcionado, pois ao contrário de outras bandas o Pearl Jam se permitiu evoluir, mesmo não se distanciando do ritmo fundamental de sua música, o rock n’ roll. Se pararmos pra pensar friamente quais bandas ainda entregam ao seu público um ótimo disco de rock, sem pressão ou pretensão? São poucas.

O que os caras do Pearl Jam querem é curtir um som, tocar um rock aqui, um folk ali, uma pitada de blues acolá e apresentar um dos melhores shows da atualidade. É assim, dessa forma que eles entregaram um dos melhores disco do ano.

David Oaski

O QUE DE MELHOR ROLOU NA MÚSICA EM 2013 (ATÉ AGORA)

2013 vem sendo mais um grande ano da música e o Ideologia Rock organiza pra você que anda meio desligado das atualidades sonoras, um apanhado do que de melhor ouvimos no decorrer do ano:

David Bowie, o camaleão do rock gravou uma jóia pop chamada "Next Year" e essa canção ficará marcada na discografia do cara:

Essa canção sensacional faz parte da fase mais madura do Queens of the Stone Age. Dê o play e vicie...

Grata surpresa do rock nacional, a banda paulista Vespas Mandarinas:

Apesar do álbum "Hail to the King" ser um pouco irregular, essa é mais uma bela balada dos contestados caras do metalcore californiano:

Os outrora espinhudos do Arctic Monkeys se tornam aos poucos uma das grandes bandas de rock do cenário atual...

Uma das melhores músicas do melhor álbum do ano até aqui. Os escoceses do Franz Ferdinand capricharam:

Linda canção do Kings of Leon!!!

O Pearl Jam já é um clássico e não se fala mais nisso...

Sonzeira do Daft Punk!

O pop envolvente e cada vez mais sofisticado do Justin Timberlake...

Outro dinossauro do rock que lançou um disco irregular, mas essa música é realmente uma pedrada...

Supergrupo encabeçado por Richtie Kotzen, muito foda!

Se você lembra de mais algum som que marcou o ano até aqui comenta aí...

David Oaski

RESENHA: MECHANICAL BULL - KINGS OF LEON

 Nota: 7,5

O Kings of Leon é um caso peculiar no mundo do rock. Formada em 2000, pelos irmãos Caleb Followill (vocais e guitarra), Nathan Followill (bateria), Jared Followill (baixo) e seu primo Matthew Followill (guitarra), em Nashville, interior dos Estados Unidos, eles apareceram como barbudos mal encarados que tocavam um som cru, com influências de country e Southern rock.

Nos primeiros lançamentos da banda, desde o EP “Holly Rover Novocaine”, lançado em 2002, passando pelo aclamado primeiro álbum “Youth And Young Manhood”, de 2003, a banda alcançou sucesso principalmente no Reino Unido que os abraçou como uma das maiores bandas de rock surgida nos últimos tempos.

Nos lançamentos seguintes a banda ia incluindo em seu som pouco a pouco uma diversidade maior de influências, tendo pinceladas de diversos estilos musicais em seus discos, como pop, reggae e rock de arena.

Família Followill

Essa evolução culminou com o sucesso mundial alcançado pela banda com seu best-seller “Only By The Night”, lançado em 2008, em que a estética da banda alcançou o auge do pop rock, somado a isso a mudança no visual dos integrantes, que passaram a se apresentar de forma mais asseada, com a barba feita, de modo que os barbudos indies estranhos passaram a ser galãs tocando nos principais festivais ao redor do mundo. Hits como “Sex On Fire” e, principalmente, “Use Somebody” fizeram com que a banda mudasse seu status no cenário musical mundial, alcançando grande reconhecimento internacional e finalmente passando a ser sucesso em sua terra natal, os Estados Unidos.

Mais experiente e com sua identidade aparentemente definida a banda está de volta em 2013, com seu sexto álbum, “Mechanical Bull” que mostra a evolução e maturidade alcançadas pela banda no decorrer desses 13 anos de existência. Neste álbum a banda junta o que tem de melhor das suas influências, formando um belo álbum, com destaque para as linhas de guitarra de Caleb e Matthew e pelos vocais de timbre marcante de Caleb, esses fatores aliados à ótima cozinha garantem fluidez e precisão a cada melodia do play.

O disco tem no mínimo quatro músicas totalmente acima da média, são elas: “Rock City”, com pegada country e ótimo solo de guitarra; a stoner “Don’t Matter” deixaria Josh Homme orgulhoso, com guitarras e teclado fazendo a cama para os vocais de Caleb, possui um excelente solo de guitarra; já “Temple” é um pop rock dos melhores; e “Family Tree” é comandada por uma belíssima linha de baixo, num country rock muito potente com ótimo refrão.

Reis de Leon

Não confunda, apesar dessas canções se sobressaírem o restante do álbum, mesmo um degrau abaixo segura bem a bronca, como no primeiro single “Supersoaker” que abre o disco com melodia acelerada e cantada de forma urgente, com características parecidas com “Coming Back Again”.

A balada melancólica e arrastada “Beautiful War” tem certa beleza, mas chega a ser um pouco cansativa, ao contrário de “Wait For Me”, que é mais direta. “Comeback Story” é uma semi balada country, com outro belo trabalho das guitarras e notável influência de gospel americano. A fábrica de baladas anda fértil pro lado do Kings of Leon, pois ainda há espaço para “Tonight”, balada cuja melodia vai ganhando força, com óbvios ares noturnos; “On Te Chin” é mais interessante, com melodia bem encaixada e ótimo clima do campo.

Os guitarristas são o destaque do álbum

A versão deluxe do álbum ainda contém os pop radiofônicos (e melhores que algumas das faixas inclusas na versão simples) “Work On Me” e “Last Mile Home”.

Mais um bom lançamento para o farto ano de 2013, “Mechanical Bull”, apesar de alguns escorregões se junta a curiosa e interessante discografia do Kings of Leon, uma das poucas bandas que possuem o mérito de compor melodias trabalhadas, com ótimas guitarras e agradar o público além do mundo do rock, tocando em rádios e deixando adolescentes molhadas.

O rock perde cada vez mais espaço e relevância diante de outros estilos musicais e bandas como Kings of Leon e Nickelback, apesar de contestadas, ainda fazem as guitarras transgredirem as barreiras dos nichos cada vez menores reservados ao rock n’ roll.

David Oaski 

RESENHA: FRANZ FERDINAND - RIGHT THOUGHTS, RIGHT WORDS, RIGHT ACTION

Nota: 9,0

Uma das muitas bandas consideradas a salvação do rock no início do milênio, os escoceses do Franz Ferdinand nunca pareceram se preocupar muito com esse rótulo, tratando de lançar bons discos e hits marcantes no decorrer de sua competente carreira, iniciada em 2002, na Escócia, por Alex Kapranos (vocalista e guitarrista), Bob Hardy (baixo), Nick McCarthy (guitarra e teclados) e Paul Thomson (bateria).

A banda em 2013

Os álbuns do Franz Ferdinand sempre variaram entre o garage rock dos anos 70, o pop dançante dos anos 80 e o indie rock do começo da década de 2000, no entanto faltava aos escoceses um álbum mais coeso, uma obra completa que se tornasse um registro marcante para a turma de Kapranos. Realmente o verbo está certo: faltava, pois com o lançamento de “Right Thoughts, Right Words, Right Action”, a banda põe as mangas de foras num esporro pop, sensual, dançante e psicodélico mostrando que ainda tem muito chão pela frente e não será mais uma esquecida banda obscura com dois ou três sucessos como vários de seus contemporâneos que a crítica insiste em exaltar.

O álbum é rápido, são 10 faixas e somente três chegam à casa dos 4 minutos. A velocidade, no entanto, não gera falta de qualidade, pelo contrário, o disco é enxuto e extremamente cativante, com canções que te pegam de primeira, sem apelar ou soar pegajoso.

O play abre com o clima dançante e que cheira à pista de dança de “Right Action”, com guitarras galopantes, vocais e backing vocals bem encaixados naipe de metais, juntando as características mais marcantes da banda. Na sequencia vem a excelente “Evil Eye”, certamente uma das melhores músicas do ano, que abre com a bateria seguida por um grito e mistura doses de psicodelia aos comuns teclados da banda. Já “Love Ilumination” é mais acelerada, com ótimas linhas de guitarras e um solo esperto, formando uma canção pop deliciosa.

O carismático front man, Alex Kapranos

“Stand On The Horizon” começa mais amena, quebrando o ritmo frenético do álbum pela primeira vez, mas rapidamente ganha corpo, com melodia bem suingada e letra que fala sobre um cara orgulhoso correndo atrás de uma garota. A balada pop ensolarada “Fresh Strawberries” mantém o clima das ótimas canções, porém é curioso notar que a maior parte das letras não reflete a pegada das melodias cheias de energia e dançantes, pois tratam de temas melancólicos e desesperançosos, muitas vezes com um tom jocoso, traço forte dos vocais de Kapranos.

O álbum volta então ao ritmo frenético com a acelerada “Bullet”, enquanto “Treason! Animals.” mistura a levada dançante com a pegada psicodélica. Dando um contraponto, na sequencia surge “The Universe Expanded” com clima intimista e minimalista com Kapranos quase sussurrando os vocais, com uma leve subida no refrão remetendo ao The Killers.

Fechando o disco, “Brief Encounters” e “Goodbye Lovers & Friends” possuem levada mais cadenciada, com suingue das guitarras e melodias deliciosas, sendo que a primeira é quase um reggae e a segunda remete a ritmos havaianos e brinca com a frase “I don’t play pop music, you know i hate pop music” com um tom sarcástico, numa canção pop até as entranhas.

O álbum possui melodias precisas. Não há nada extremamente inovador, tampouco músicos virtuosos, mas a experiência e sagacidade dos escoceses fizeram com que estas 10 joias se encaixassem devidamente em seu devido lugar, formando uma obra direta e concisa e, o mais importante, deliciosa de ser desfrutada.

I know you love pop music Kapranos, por isso seu grupo fez um dos melhores discos do ano.

David Oaski

RESENHA: THE WINERY DOGS - THE WINERY DOGS

Nota: 8,0

O The Winery Dogs é o chamado supergrupo, um power trio em que todos integrantes têm uma trajetória respeitável dentro do rock.

O baterista Mike Portnoy já tocou com Avenged Sevenfold, Adrenaline Mob e é um dos fundadores do Dream Theater; o guitarrista e vocalista Richie Kotzen tem uma estável carreira solo, além de ter tocado em bandas como Poison e Mr. Big; e o baixista Billy Sheehan já tocou nas bandas de apoio de David Lee Roth e Steve Vai.

Logo da banda

Apesar da ótima técnica e talento dos músicos, a desconfiança era equivalente à curiosidade da crítica e do público. Será que a química fluiria? A banda seria um projeto sério ou somente um caça níquel? A resposta veio com o excelente disco de estreia, homônimo, lançado em Julho deste ano. São 13 faixas de um hard rock feroz, com claras influências de classic rock e grunge.

De cara , me surpreendi positivamente com a semelhança do timbre de voz de Kotzen com o de Chris Cornell (Soundgarden e ex-Audioslave), só que com menos habilidade vocal e mais raivoso, de qualquer forma, uma ótima referência, já que o cantor de Seattle é um dos melhores, senão o melhor vocalista do rock na atualidade.

Kotzen - grande guitarrista e ótimo cantor

O disco segue a fórmula clássica e certeira do hard rock, com ótimos riffs, solos inspirados, refrãos marcantes e tudo de melhor que o estilo proporciona. Com uma variação entre peso, groove, agressividade e baladas, as melodias inevitavelmente orbitam pela onipresente guitarra de Kotzen, que faz um trabalho brilhante. A cozinha não fica atrás com os não menos talentosos e experientes Portnoy e Sheehan, que seguram a bronca para o frontman esmerilhar seu instrumento.

O álbum abre com a urgente e pesada “Elevate”, que dá o tom do que segue, com grandes canções de rock, como “We Are One”, que possui cadência mais arrastada, com destaque para o baixo de Billy; “The Other Side” é a prova de como o power trio está afiado e a química fluiu perfeitamente entre os membros, com andamento arrastado no final da canção, com belo solo de guitarra. “Not Hopeless” é um hard pesado, que lembra os melhores momentos do Velvet Revolver, com linhas de guitarra incríveis e outro ótimo solo; “One More Time” e “Criminal” têm a pegada do rock clássico dos anos 70, a primeira com ares de Deep Purple e Led Zeppelin e a segunda com um swing que lembra o Bad Company.

Power trio de primeira

“Six Feet Deeper” é outro hard robusto, em que tudo se encaixa perfeitamente: cozinha, guitarra, vocais, ainda restando espaço para Portnoy dar uma amostra da sua técnica e seu talento antes do solo de guitarra. Há também a enérgica e sensual “Desire”, que fecha o disco em grande estilo.

Os cachorros no palco

Um destaque a parte no álbum são as excelentes baladas, cinco faixas, todas com temas confessionais e melancólicos, especialidade de Richie. “I’m No Angel” é cantada num timbre mais ameno num dos pontos altos do disco, além de ter um belo solo (redundância no disco), é radiofônica. “You Saved Me” é outra linda canção, com letra que fala sobre como o amor de uma mulher pode salvar a vida de um cara. Já “Damaged” é outra balada melancólica que poderia estar num dos álbuns do Audioslave, com um belo solo, por outro lado, “The Dying” tem um clima pop, com teclados e violão, refrão marcante e voz rouca de Kotzen dando o clima que a canção pede. “Regret” possui pegada blues, com pianos e uma letra ressentida de um relacionamento que se perde.

Confesso que conhecia pouco do trabalho dos três integrantes do grupo, mas tive uma grata surpresa ao obter contato com o som do The Winery Dogs, pois além da postura comedida dos integrantes, sem maiores extravagâncias, eles fazem um som cru e potente, com energia equivalente aos grandes nomes do hard rock mundial.

Trata-se de um dos grandes álbuns lançados em 2013 até agora e certamente será presença carimbada nas listas de principais lançamentos do ano.

David Oaski

O PESO E A MELODIA DO AUDIOSLAVE

Quando em 2001, o ex-vocalista do Soundgarden, Chris Cornell e os integrantes remanescentes do Rage Against The Machine: Brad Wilk, Tom Morello e Tim Commerford anunciaram que formariam uma nova banda, tanto público quanto crítica não sabiam ao certo o que esperar. Afinal o que viria da união de sonoridades de bandas tão distintas, uma com as características de distorção e obscuridade do grunge e outra com a agressividade e velocidade do metal fundido com rap. Realmente o resultado dessa fusão era imprevisível.

Chris Cornell havia encerrado as atividades do Soundgarden em 1997 e havia lançado em 1999 seu primeiro álbum solo, seguindo uma linha mais pop, com maior apelo radiofônico. Já o Rage havia concluído suas ações em 2000 após Zack de la Rocha resolver investir em novos projetos. Dizem que quem deu a ideia da união das partes foi o produtor Rick Rubin, dando origem a alguns ensaios, em que a banda percebeu que a inesperada união dava caldo, foi o start de uma grande banda que estava prestes a surgir.

Como Cornell era de uma gravadora e os Rage eram de outra, as pendengas burocráticas foram monumentais, pois haviam também dois times de empresários, o que gerou muita dificuldade no entendimento para início das atividades da banda, quase pondo fim às atividades  antes mesmo das primeiras gravações ou shows.

Capa do primeiro álbum

Passadas as turbulências, a banda finalmente começa a fazer algumas apresentações e lança o primeiro álbum, com título homônimo. Neste primeiro álbum, a banda demonstra total entrosamento, dando a aparentar que os músicos sempre tocaram juntos. As melodias são incríveis e os vocais bem trabalhados de Cornell – um dos melhores cantores da história do rock – deram uma gama ainda maior de possibilidades musicais aos talentosos músicos do Rage, em destaque para o excelente guitarrista Tom Morello, que pôde mostrar seu lado mais melódico e até mesmo acústico diante de canções belíssimas. A banda soube dosar peso (“Cochise”, “Show Me How To Live” e “Set It Off”) e melodias mais trabalhadas (“Like A Stone”, “I Am The Highway” e “Getaway Car”) gerando um som novo e original, se distanciando das duas então finadas bandas.

No segundo álbum, a banda se consolida como grande nome do rock no começo da década de 2000, “Out Of Exile” foi lançado em 2005 e alcançou o primeiro lugar da Billboard. Com um som sólido e com características próprias novamente a combinação Cornell / Morello gera grandes canções, como “Be Yourself”, “Your Time Has Come” e “The Worm”.

A banda ainda lançaria “Revelations”, em 2006, que traz um som com mais groove, numa clara influência de música negra no som da banda. Neste som a cozinha de Wilk e Tim ganham mais destaque. Faixas como os singles “Original Fire” e “Revelations” dão o tom do conteúdo do álbum. Este porém, foi o último álbum da curta carreira da banda, por isso foi também o menos divulgado.

Cornell e Morello em ação

Poucos meses após o lançamento de “Revelations”, Chris Cornell divulgou um comunicado citando diferenças artísticas e pessoais com os outros membros da banda, pondo fim às suas atividades. Anos depois as duas bandas que deram origem ao Audioslave voltariam à ativa, com constantes apresentações em grandes festivais ao redor do mundo, tendo o Soundgarden inclusive, lançado um ótimo álbum: “King Animal”, em 2012.

Devido ao rock estar em baixa na época, tendo em vista que Linkin Park e Evanescence eram os grandes nomes do gênero na época, muita gente deixou o Audioslave passar batido, como se fosse apenas um projeto paralelo dos músicos, porém quem teve curiosidade e interesse em ouvir os álbuns da banda, sabe que trata-se de uma banda com uma aura grandiosa, excelentes melodias e músicos extremamente competentes e talentosos trabalhando em canções belíssimas.

Tendo a achar que o primeiro disco da banda, com o tempo e distanciamento corretos ainda será considerado um clássico do rock, condição mais do que justa para essa grande banda que nos brindou mesmo que brevemente com três ótimos álbuns e grandes registros em vídeo.

David Oaski

RESENHA: TIHUANA - AGORA É PRA VALER

Nota: 7,0

Após sete anos desde o lançamento do último álbum de inéditas, os paulistas do Tihuana estão de volta com seu sexto disco de estúdio: “Agora É Pra Valer”, resgatando a sonoridade das origens da banda.

A banda surgiu em 2000, com o lançamento do seu mais bem sucedido álbum: “Ilegal”, que continha os hits “Pula” e a canção que viria a se tornar conhecida dez anos depois através do filme homônimo, “Tropa de Elite”. Desde então a banda segue uma carreira consistente fazendo rock, com elementos do pop e da música latina, mas sempre livre de qualquer rótulo e sendo muito competentes dentro da proposta que seguem.

“Agora É Pra Valer” sacia a sede dos fãs da banda e do rock nacional que estavam carentes pelos sons irreverentes e alto astrais da banda. Ao longo das 15 faixas, o Tihuana põe de lado as baladas românticas do álbum antecessor “Um Dia De Cada Vez”, retomando o pop rock radiofônico que eles fazem como poucos.

Formação atual da banda

O disco abre com “Minha Rainha” que conta com a participação de Digão dos Raimundos. O convite, conforme declarado pela banda, se deu porque eles acharam que a canção tinha uma levada parecida com a da banda brasiliense. O resultado ficou muito bom e a faixa é um dos destaques do álbum. Aliás, é curioso notar que nessa época de cada vez mais bandas independentes vemos tantas participações especiais em álbuns, fato que não ocorria quando os burocratas das gravadoras tomavam conta do mercado fonográfico nacional.

O álbum marca também a substituição do percussionista Baía por Fouad, que mantém a pegada da barulheira da cozinha. Os destaques nas melodias seguem com as guitarras de Léo ( o Seu Ronaldão do Rockgol), seguido pelo baixo e bateria extremamente coesos de Román e P.G., respectivamente. Os vocais de Egypcio seguem com variações mais suaves até tons mais sacanas e agressivos que sempre me lembram Zack de La Rocha.

Algumas das canções já eram conhecidas pelo público mais atento, pois já haviam sido lançadas pela banda na Internet, tais como “Vem Pra Festa” (antes “Festa de Louco”) e “Minha Rainha”, além de “Comboio do Terror”, que já havia sido lançada na trilha do filme Tropa de Elite 2.

Trecho do clipe de "Minha Rainha" com Digão

Outros destaques são a pesada faixa título; “Perto de Você, Longe De Mim”, que possui ótimo acompanhamento de violão; “Vento Do Sul” que pode se dizer que é um misto de country norte americano com rockabilly; a balada cantada em espanhol “Mi Corazón”; e “Herói de Plástico” que fala sobre sustentabilidade.

Como tenho dito, sinto falta de bandas de rock com pretensão de tocarem em rádio e estarem presentes nos programas de palco da tv, brigando por espaço com o sertanojo universitário e pagodes mela cueca. Não adianta as bandas seguirem com essa síndrome de underground e o rock perdendo cada vez mais espaço em todos os seguimentos. Goste-se ou não do som do Tihuana, Detonautas, CPM 22 e afins, é preciso reconhecer seu valor e empenho em buscarem seu lugar ao sol entre os espaços contaminados pelas modas da estação.

Como o título do álbum sugere, o Tihuana voltou pra valer, inserindo no disco tudo que os consagrou ao longo da carreira: reggae, harcore, pop, música latina, baladas, tudo isso sempre conectado pela boa vibração que suas canções e álbuns transmitem.

Que outras bandas nacionais ponham a mão na massa pra valer e não fiquem arrecadando fundos milionários com a lei rouanet para fazerem turnês caça níquel.

David Oaski

RESENHA: SHOW TITÃS - ANIVERSÁRIO DE BERTIOGA - 17/05/2013

Nota: 10,0

Mal conhecia Bertioga antes do show. Apesar de ser uma cidade vizinha da minha, eu nunca tinha tido oportunidade, tampouco curiosidade em desbravar o município, porém com o anúncio do show dos Titãs como parte das festividades para comemoração do aniversário da cidade o momento chegara, eis um excelente motivo para conhecer uma cidade, um show de rock.

Cheguei ao local – uma tenda para eventos montada ao lado da praia – e o mestre de cerimônias já anunciou que em 10 minutos a banda subiria ao palco. O público, ao contrário do que eu imaginava, não era composto por adolescentes funkeiros, mas sim por um pessoal que conhecia a banda e estava lá pra assistir ao concerto e não pra tumultuar.

A banda subiu ao palco por volta de 21:00h, abrindo o show com o rock n’ roll “Lugar Nenhum”, já dando uma amostra do que veríamos nos próximos 90 minutos. Chamou atenção logo de cara, que só estavam no palco os Titãs, sem nenhum músico adicional, além do batera. Eram os quatro monstros no palco: Paulo Miklos nos vocais e guitarra; Branco Melo nos vocais e contrabaixo; Sérgio Britto no teclado, contrabaixo (em algumas canções que Branco cantou) e vocais; e Tony Bellotto esmerilhando na guitarra, havia também o músico contratado que tem tocado bateria com a banda desde a saída de Charles Gavin em 2010, Mário Fabre.

Os heróis no palco

O repertório não podia ser melhor, aliás isso não é difícil quando se trata de uma banda com 30 anos de carreira e uma infinidade de hinos e canções que marcaram gerações. Rolaram as pauleiras clássicas: “AA UU”, “Polícia”, “Bichos Escrotos”, “Diversão” e “Cabeça Dinossauro”; as também clássicas “Flores”, “Comida”, “Televisão”, “Sonífera Ilha”, “Homem Primata” e a inesperada e surpreendente (pelo menos pra mim) “O Pulso”, com Branco Melo nos vocais; rolaram também as baladas inconfundíveis e cantadas em uníssono por todos: “Epitáfio”, “Pra Dizer Adeus” e “É Preciso Saber Viver”; rolou também uma “homenagem” aos políticos através da recente “Vossa Excelência”. Teve espaço até para o lançamento mundial – palavras de Paulo Miklos – de três músicas novas “Terra a Vista” (Branco Melo canta), “Fala Renata” (Sérgio Britto canta) e “Baião de Dois” (nome provisório – Paulo Miklos canta).

Vale ressaltar a energia e vitalidade da banda, confesso que por ser um show aberto e gratuito, eles poderiam tocar no ‘automático’, mas não foi o que se viu, os caras pareciam garotos e todos interagiam com a plateia e mostraram que a paixão em subir a um palco continua a mesma.

Apesar da decepção que foi o disco mais recente da banda, “Sacos Plásticos”, de 2009, os Titãs mostraram que a chama continua acesa, sendo que as três canções novas tocadas remetem ao peso que a banda tinha em boa parte dos anos 80 e primeira metade da década de 90, talvez estejam contaminados e energizados pela turnê comemorativa do “Cabeça Dinossauro” que rodou o país.

Enfim, o Titãs é, sem dúvida, uma das três maiores bandas do Brasil e na minha opinião, a que possui um repertório mais interessante, pois tratam-se de vários compositores trabalhando em conjunto, o que proporciona uma diversidade criativa e sonora única. Quanto ao show, foi emocionante para um fã como eu, ver pela primeira vez os caras de perto, tocando com aquela energia.

Longa vida aos Titãs!

David Oaski

A NOVIDADE QUE VALE A PENA: MADRENEGRA

Houve um tempo no rock nacional que as bandas trabalhavam em suas letras e faziam questão de passar uma mensagem em suas canções, fossem elas de protesto, de amor ou diversão, sendo que as principais bandas usavam uma linguagem adulta, que ia além de rimar amor com dor. Esse é o grande problema da maior parte dos representantes do rock nacional atualmente, ele foi infantilizado pela geração de nomes como Fresno e NX Zero.

A banda brasiliense Madrenegra surge na contramão de seus contemporâneos, como uma antítese do discurso adolescente de shopping que ouvimos na rádio. Marcelo Marcelino: vocais; Nicko Roriz: baixo; Leandro Mathiolle: bateria; e Dervan Soares: guitarram fundaram a banda em 2011, na periferia da capital nacional, terra de bandas clássicas do Brasil, como Plebe Rude, Legião Urbana e Capital Inicial. Os caras realmente incorporam o discurso de seus antecessores, talvez seja a proximidade do congresso que desperte a ira das bandas da região, afinal de perto o contraste social deve ser muito mais nítido.

Capa do EP da banda

Até o momento, a Madrenegra lançou um EP intitulado “Todo Sonhador É Viciado Em Esperança”, de 2012, com quatro músicas que expressam revolta e protesto através de melodias pesadas que remetem às bandas que misturam rock com rap, como Rage Against The Machine e todo o movimento new metal. As quatro faixas que incluem a faixa título, “Malandro Voador”, “Sorria Pra Entender A Ironia” e “Coração de Plástico” que são bons cartões de visita do que a banda tem a dizer. As melodias de guitarra são pesadas, com riffs rápidos e peso constante, a cozinha também é bastante entrosada, garantindo um bom entorno para os vocais de Marcelo, soltando frases de efeito que bradam contra uma sociedade doente.

É muito salutar para o rock nacional que bandas com os ideais como os da Madrenegra ganhem cada vez mais espaço, nem que seja em festivais e nas redes sociais, pois remete a um rock com conteúdo, que faz pensar, que põe o dedo nas feridas da sociedade, contestando, questionando e protestando sempre que necessário. São cada vez mais escassas as bandas que carregam consigo uma ideologia, o que gera uma série de grupos sem essência que até podem acertar a mão em uma ou outra composição, mas com conteúdo raso nada dura, entra por um ouvido e sai pelo outro.

Por bandas de rock que tenham o que dizer.

David Oaski

PÉROLAS QUE O TEMPO ESQUECEU: RUMBORA

O Rumbora era uma banda que misturava de forma irreverente ska, rock, hardcore e reggae numa levada bem pop e que fez sucesso no final dos anos 90, começo dos 2000, formada pelo vocalista e guitarrista Alf, pelo baixista e vocalista Beto, além do guitarrista Biu e do baterista Bacalhau.

Apesar de ter tido reconhecimento na época, hoje em dia pouco se fala na banda que emplacou dois discos pela gravadora Trama: “71”, de 1999 e “Exército Positivo e Operante”, de 2000 e um de maneira independente: “Trio Elétrico”, de 2003.

O frontman da banda: Alf

Oriunda de Brasília, assim como os Raimundos e o Natiruts, já no primeiro disco a banda mostrava suas letras cheias de bom humor e ironia e obteve êxitos nas rádios e na Mtv com os singles “Chapirous” e “Skaô”, as letras possuíam um vocabulário jovem, repleto de gírias e usual à época e as melodias eram ensolaradas, com total influência dos ritmos jamaicanos.

No segundo álbum, o sucesso seria ainda maior com o mega hit radiofônico “O Mapa da Mina”, a banda ficou então entre as mais tocadas do país. O álbum ainda conta com a colaboração de Arnaldo Antunes e Black Alien, além de ter sido produzido por Carlos Eduardo Miranda, folclórico produtor que trabalhou com as principais bandas de rock dos anos 90. Além do sucesso, havia ainda o outro single “O Passo do Azuilson” e a belíssima “Mal do Mundo”, que revela um lado mais adulto como compositor de Alf, o vocalista e principal letrista.

Em 2003, um ano após encerrar o contrato com a Trama e passar por diversas mudanças, a banda persistiu como um trio formado por Alf, Beto e Leandro (bateria) e gravou seu melhor álbum. Em “Trio Elétrico” a banda mantém a pegada ska dos primeiros álbuns, mas com a soma de elementos eletrônicos às melodias, o que abre um leque ainda maior nas melodias do grupo. O álbum é bom de ponta a ponta, com destaque para “Freio de Mão”, “Deskanso em Movimento”, “Mó Valor” e “Querendo”.

A banda na tenda Brasil do Rock in Rio 3

Em 2005, devido à falta de apoio das gravadoras (o que ainda era um tremendo empecilho na época), o Rumbora resolveu encerrar suas atividades, tendo seus membros participado de diversos projetos. Alf tocou com os Raimundos e fez parte do Supergalo e do Câmbio Negro, além de estar lançando um álbum de inéditas ainda esse ano; Bacalhau tocou com diversos artista e hoje é membro fixo do Ultraje a Rigor; Beto seguiu para o ramo do marketing digital e Biu seguiu com diversos projetos.

Todas décadas possuem artistas e bandas que ficam em uma espécie de segundo ou terceiro escalão no mainstream, não necessariamente pelo talento, mas por uma série de fatores, como carisma e espaço na mídia. O Rumbora foi um desses casos, pois apesar de ter obtido sucesso comercial não conseguiu se manter no topo e, numa época em que as gravadoras dominavam completamente o mercado fonográfico, ser independente era quase impossível já que nossa economia nem sonhava em ser estável como é hoje.

Descobri o Rumbora uns três anos atrás por pura curiosidade após ver um especial na Mtv que citava que eles haviam feito um Lual Mtv, porém como sabia que só bandas conhecidas da época participavam do programa, como Raimundos e Charlie Brown Jr., estranhei por não conhece-los. Fui atrás e não me arrependi, baixei todos os discos, que remetem à diversão e um lado bom da vida, longe de todo stress e negatividade.

Se você acha que ska bom é só o jamaicano, pesquise um pouco sobre o Rumbora e não irá se arrepender.

David Oaski